La Estafa Más Grande del Mundo: Oscars 2011

Esta madrugada, como cada año, se han entregado los oscars, ese premio que  regala la propia industria de Hollywood en un acto de onanismo que salpica a todo el mundo. Un año más, la ceremonia ha vuelto a ser sosa, aburrida y sin gancho, independientemente de que la presentaran dos chicos jóvenes y divertidos. Un año más, la ceremonia sólo ha servido para generar una enorme indignación entre la comunidad de cinéfilos del mundo, y para honrar a uno de los tipos más profundamente tramposos de la historia del cine: Harvey Weinstein.

Para quien no lo conozca, Harvey Weinstein es el hombre que hace años estaba detrás de Miramax, artífice de éxitos tan tristemente célebres como "Shakespeare in Love" o "El Paciente Inglés", pero también de todas las películas de Quentin Tarantino. Weinstein es famoso por sus bestiales campañas de acoso a los académicos para lograr que sus películas se lleven los oscars. Lo es hasta tal punto que, cuando "Shakespeare in Love" logró arrebatar el oscar a "Salvar al Soldado Ryan" hace unos años, se tuvo que cambiar el sistema de votación, después de una vergonzosa campaña de márketing. 

Este año lo ha vuelto a conseguir: "El discurso del Rey", la película más sosa y blanducha de todas las que estaban en la terna se ha alzado con el oscar a la mejor película -lo que es triste en un año con candidatos potables- y, lo que es peor, al mejor director, para un tipo cuyo nombre ni siquiera me suena, pero que tiene el placer de tener tantos oscars como Martin Scorsese. ¡¡Enhorabuena!!

No entraré a valorar el resto de premios. Sólo diré dos muy justos: Mejor guión adaptado y mejor banda sonora para "La Red Social", que viene a ser, junto a "Cisne Negro", las dos únicas películas que perdurarán en el recuerdo y que soportarán el paso de los años. 

"La Red Social", o como hacer cine para personas adultas en una industria infantilizada, es, de largo, la película más valiente de todas las candidatas. En su apuesta por mostrar un guión férreo y sin fisuras que se va desvelando poco a poco, tampoco olvida el aspecto visual, dando como resultado una película que es cine en elevado a la máxima potencia: Imágenes y sonido en danza, fotografía, música, interpretaciones, todo en ella desprende calidad, y, huelga decir que David Fincher es, de largo, el mejor director de la terna de candidatos -Y eso que estaban los Coen- porque, siendo como es, un esteta, ha sabido manejar un material tan literario como lo harían los más grandes: Su film huele a Coppola en 1973. 

Luego está "Cisne Negro", probablemente la película más intensa que he visto este año junto con la francesa "Un profeta" y  la autraliana"Animal Kingdom". La película de Arronofsky es más una experiencia que una película en sí misma. Es un viaje a las entrañas de una bestia en constante mutación. No me cuesta decir que es la película más psicológica que he visto desde "Taxi Driver" y, como ésta, se ha quedado sin premio de la academia. Aunque, como el film de Scorsese, generará a su paso una legión de seguidores que la aupará a los altares de la cinefilia. No me cabe duda de que lo merece: la película de Arronofsky es tan enfermiza que sacude los cimientos de la percepción, es tan subjetiva que hiere al espectador a medida que su protagonista se va haciendo daño a sí misma. "Cisne Negro" merecía más, pero no la produce Weinstein.


Del resto de candidatas diré que "The Fighter" es un show de Christian Bale -merecido oscar-, que "True Grit" es un cuento de hadas poco coeniano pero con otro memorable show de Jeff Bridges, que "Winter´s Bones" es tan lenta como buena, e impredecible, que "127 Horas" no consigue que sienta la menor empatía por su personaje por culpa de los delirios estéticos de su director, y que "Origen" podría haber sido mucho mejor película de lo que realmente es. Hasta aquí puedo decir.

Las decepciones, para los decepcionados, a mi -perdón por el francés- me la suda. Pero si que voy a reivindicar un par de cosas: Lo primero es que "Fantastic Mr Fox" debería haber sido el mejor film de animación y ni siquiera ha sido nominado; Lo segundo es que puedo pasar que se olviden de "Shutter Island",  estrenada hace un año, pero no de Di Caprio, que ha protagonizado con igual intensidad tanto el film de Scorsese como el de Christopher Nolan; y tercero: La mejor interpretación del año es la de Joaquin Phoenix en "I´m Still Here", ni siquiera nominado o recordado.

Planet E: ...Y no estaba muerto... NoNo...

Es completamente imposible entender el desarrollo de la música electrónica de los últimos 30 años pasando por alto a Carl Craig. Miembro de la segunda generación de los superhombres de Detroit, Craig lleva desde finales de los ochenta agitando al personal con su personal forma de entender el techno, realizada a partir de muy pocos elementos -en ello radica la grandeza de Craig: construir pepinos levantándolos desde la base los elementos justos y necesarios- y en el que destaca, por encima de todo, la profundidad y el alma.

Aunque el padrino del Techno Soul fue el loco de Eddie Fowlkes, nadie ha sabido llevar mejor esa etiqueta que Carl Craig, un apuesto príncipe de zamunda que derrocha alma y seriedad a partes iguales en todas y cada una de las aventuras que ha emprendido -y no son pocas: Innerzone Orchestra, 69, Paperclip People...-.

Una de esas aventuras fue la de montar un sello, Planet E, hace la friolera de veinte años, toda una hazaña en un mundo como el de la música electrónica, que ha sufrido en todo este tiempo las consecuencias del P2P, las descargas ilegales, los servidores, la caída y el resurgimiento del vinilo, etc.

Tras una temporada un tanto fría a nivel editorial -mejorada con los últimos lanzamientos de Psycatron y Blake Baxter-, Planet E celebra este mes su aniversario entregando un recopilatorio que recoge un total de 25 temas de su extenso y admirado catálogo. El disco en sí es una imprescindible colección de techno en todas sus facetas, desde el más puro al más bastardo, sinuoso, cerebral, parco, serio, profundo... Un pedazo de la historia de un género que Craig  y Planet E han ayudado a perdurar.

Por el disco pululan, entre otros artistas, Moodymann, Martin Buttrich, Lazy Fat People, Recloose, Jona, o Gemini, además de todas las propuestas y pseudónimos de Craig (C2, Paperclip People, Innerzone Orchestra, 69, Tres Demented). Sin entrar en detalles, simplemente diré que es un "must have" si te gusta el techno orgánico y profundo, si te gusta Craig y si te gusta Detroit.

Como hoy también es mi cumpleaños me voy a tomar la libertad de regalarme un tema que no aparece en el recopilatorio pero que resume a la perfección el sonido de Carl Craig: Intensidad, Alma, Profundidad, Pegada y Música, mucha Música, elevada a la máxima potencia a lo largo de nueve eternos minutos.

Deniz Kurtel: Art On The Dancefloor

Si cualquiera me lo preguntara, le diría que mi sello de cabecera es Crosstown Rebels, que dirige desde hace años uno de los tipos por los que siento más respeto cuando está detrás de los platos, Damian Lazarus. 

Así de entrada, se me viene a la mente que Crosstown Rebels ha publicado, en los últimos  dos años, el house más perfecto que se puede encontrar en el mercado: Ese que combina de forma ketaminosa la profundidad de Chicago con el P-funk, que tiene una cadencia particular, lenta, angulosa, indeterminada.

Sólo en el último año, han pasado por el sello inglés artistas tan venerados como Seth Troxler, N/A, Soul Clap, Maceo Plex, Jamie Jones, Art Department y una chica de origen turco e instalada en Estados Unidos que, con sólo un par de EP´s -editados respectivamente en el sello inglés y en Wolf & Lamb- se ha situado de un plumazo en el mapa clubber mundial.

Deniz Kurtel es artista, videocreadora -es la encargada de los espectaculares shows visuales de Wolf & Lamb-, músico y disc jockey, con la cualidad de que es igual de interesante en cada una de las aventuras que emprende. 

En el plano estrictamente musical, Kurtel se ganó los réditos con el impresionante "Yeah", publicado en Crosstown Rebels el año pasado, un disco que hurgaba con saña en el house más futurista y funkorro.

Pues todo eso y más es lo que pulula por su impresionante disco debut, "Music Watching Over Me", una obra que, ya desde el principio, con el tema que se da título, se muestra sobrio y sin fisuras: Esto es house letárgico, que avanza lentamente pero a embestidas, magnificándo su energía en cada escucha, elaborado a partir de muy pocos elementos, pero perfectamente alineados. 

"Music Watching Over Me" es un disco que, a buen seguro, formará un triunvirato magistral de lo que yo llamo House Ketaminoso, junto al de Chaim y al próximo de Art Department -también en Crosstown Rebels a partir de abril-, y, en menor medida, el de Maceo Plex.

Como muestra, el tema que ha servido de adelanto, "The L Word", siete minutos de música orgiástica, sexual, que sobrevuela sobre un bajo zumbón y funkorro, unos charlis segadores, una melodía cósmica y un vocal -cortesía de Jada- que dice que solo el amor puede aliviar la mente. 

Aguita!

Toro y Moi: Funk Cósmico, Pop Terrenal

En un fin de semana de obligado reposo, lo lógico es disfrutar con toda la tranquilidad de música acompañada de una plácida lectura. En mi caso, el pasado fin de semana ha estado marcado por la irrupción del último disco de Radiohead y su épica oscura y abigarrada. 

Sin embargo, por encima de la oscuridad ha florecido en los últimos días la escucha luminosa -casi por oposición- del segundo disco de Toro y Moi, "Underneath the Pine", un brillante ejercicio de pop optimista que ha mejorado el estado de ánimo de mis monitores.

Chaz Bundick, el pequeño geniecillo que se esconde detrás del proyecto Toro y Moi, venía de publicar "Causers of this" -un disco con reminiscencias de Panda Bear o Animal Collective, que indagaba con acierto en el nuevo pop cuasi psicodélico- hace menos de un año. Ahora, entrega su segundo largo, un ejercicio que se aleja de su antecesor al centrarse con acierto en el funk y el disco más cósmico, al que ha barnizado de pop preciosista y detalloso.

El resultado es un disco vitalista en el que conviven con acierto los momentos más intimistas con una actitud más descarada, la instrumentación real -pianos, rhodes, guitarras, bajos- con los arreglos electrónicos, los silencios con la voz casi angelical de Bundick.

Un disco que se escucha de un tirón -apenas dura 40 minutos- y que endulza pero no empalaga. Un disco que sitúa a Bundick como un chico al que seguir de cerca, puesto que atesora en su interior una personalidad  musical expansiva y mágica, capaz de hacerse un hueco, desde la marginalidad de su propuesta, en el panteón del pop del 2011.

Cabeza de Radio: Todos somos hijos de Thom Yorke

Cualquiera que haya seguido este blog minimamente se habrá fijado en que este espacio no pretende ser una plataforma desde la que hacer una crítica de discos o artistas. Not4cash está concebido más como un balcón en el que saco las plantas a que les de la luz, y yo soy un botánico que ama todos y cada uno de los pedazos de vida que cuelgo en el balcón. 

Nunca he sido muy objetivo con la música, ni con el cine, siempre he pensado que no hay nada más subjetivo que los gustos de cada cual, de ahí que no me tenga como un crítico.

¿Qué ocurre, pues, cuando uno tiene que recomendar un disco como "The King of Limbs", la última entrega de Radiohead? 

Lo que ocurre es que tendrá que pasar por alto ciertas cosas: 
1) La verdad número uno es que Radiohead no van a sorprenderte como banda, eso ya lo hicieron, y pasaran a la historia por ello, entregando sucesivamente "Ok Computer" -el disco que acabó con la hegemonía del brit pop- y "Kid A" -el disco más importante e influyente de los últimos quince años-. 
2) Lo segundo es que, guste o no, y Radiohead tiene tantos defensores como detractores, todos somos hijos de Thom Yorke y Johnny Greenwood. Su aportación a la música de los últimos 20 años está fuera de toda duda. 
3) La tercera verdad es que Radiohead llevan más de 10 años sin sacar una obra maestra. Pero en todo este tiempo han entregado tres LPs -"Amnesiac", "Hail to the thief" y "In Rainbows"- que han agigantado su legado, que no es poco.
4) Radiohead saca discos que suenan a Radiohead. Fin.

Pues bien, más de dos años después de "In Rainbows" -un disco que, independientemente de su calidad, fue más importante por su estrategia de marketing-, Radiohead se sacuden de nuevo, y el resultado es un disco intenso, oscuro, grandilocuente y excesivamente cerebral.

Completamente anclados en la experimentación electrónica -salvo por el sublime ejercicio acústico de "Give up the Ghost"-, Radiohead vuelven a facturar un larga duración que, en las seis primeras escuchas -Y Radiohead necesitan muchas más-, se adentra con acierto en las sombras de la corteza cerebral. 

La excelsa emotividad que desprende la falsa fragilidad de Thom Yorke, unido al importante esfuerzo compositivo de Greenwood, sobrevuelan los escasos 37 minutos de "The King of Limbs", que culminan con un epílogo magistral, "Separator", que recuerda a los mejores Radiohead.

Por el camino quedan alguna que otra pieza para la posteridad -"Lotus Flower" es de lo mejor de su repertorio y recuerda a la época de Kid A, "Feral" es un viaje extraño a la locura y "Little By Little" extrae al mejor Thom Yorke del disco- y algún que otro parón -de intensidad, no de calidad-.

Resumiendo, y creo que es la mejor manera de valorar el disco: "The King of Limbs" se me hace corto. Quiero más. Soy muy fan -que le vamos a hacer-.

Beans: Flow Over Intricated Rythm

Parte integrante de los enormes Antipop Consortium, Beans ya atesoraba un larga duración en solitario, "Thorns", un disco que suponía una atrevida propuesta de hip hop abstracto, en el que sus excelentes dotes para la rima planeaban sobre la intrincada rítmica de algunos de los beatmakers más alocados del planeta.

"End it All", su continuación en solitario no es menos osado que "Thorns", aunque abandona el exceso del que hacia gala su antecesor y acaba resultando un cocktail mucho más accesible para oyentes no acostumbrados a la arriesgada propuesta de la que suele hacer gala Beans.

El disco en cuestión, supone la confirmación de Beans como un tipo alejado del resto de rappers del planeta tierra. Con un flow destructor y una presencia no menos llamativa, nuestro amigo confiere en este disco las bases a productores tan diferentes como Nobody, Sam Fog o Tobacco, en la parte más estrictamente urban, y a ascetas electrónicos como Four Tet o Clark, en la parte más directamente alocada.

Además, cuenta con un temazo espectacular producido por In Flagranti y en el que su flow se une a los gorgoritos de Tunde Adebinpe, el cantante de TV on the Radio. El resultado es este "Mellow you out", de largo una de las mejores piezas del disco.

Y de postre, os regalo esta joya. La remezcla que Four Tet le hizo a Antipop Consortium con motivo del XX aniversario de Ninja Tune. Un pepino de rap electrónico que devuelve al Four Tet de su primera época, cuando el hip hop le atraía tanto como el ambient.

Jamie XX & Gill Scott-Heron: Negro Sobre Blanco

Gill Scott-Heron es un músico y poeta afroamericano con una enorme influencia sobre la música de las últimas cuatro décadas, especialmente en la música negra. Tal es así que ha sido reconocido como el padre del hip hop. 

Más reconocido como poeta antisistema que como músico -aunque cuenta con un par de hits bastante importantes: "The Revolution Will Not Be Televised" y "The Bottle"-, Scott-Heron ha sido una piedra fundamental en la comunidad negra del último medio siglo. Una personalidad contestataria, unido a su lírica y a su prosa destructiva contra el establishment blanco, lo han colocado en un panteón para la comunidad afroamericana.

Jamie XX, por  su parte, es un chico blanco al que le gusta jugar con la MPC en los ratos que tiene libres con su banda, The XX, artífices del mejor disco debut de los últimos cinco años en la estratosfera pop. 

Jamie sabe jugar en la liga de la música inglesa como un delantero centro nato, cada una de sus aproximaciones se convierten en gol seguro, con lo que no sorprende que ahora salga con un disco debajo del brazo.

El disco en cuestión es "We´re New Here", que llega a las tiendas el próximo lunes, y es una aproximación, desde la óptica de un jóven blanco inglés, a la intrincada poesía del de Chicago. En aparaciencia dos mundos completamente antagónicos, separados por oceános de tiempo y de actitud.

Sin embargo, "We´re New Here" resulta ser un disco tremendamente respetuoso y reverencial hacia la obra de Scott-Heron. Bajo capas y capas de beats y atmósferas profundamente british, Jamie deja salir de la oscuridad la profunda voz y la intensa lírica de Scott-Heron. A veces, oculta o retocada, pero siempre a simple vista, las sacudidas del poeta de Chicago acaban casando perfectamente con los beats y los basslines diseñados por el jóven genio británico.

El resultado es un disco vitalista que enfrenta con éxito dos mundos que sólo en apariencia estaban lejanos, pues toda la música bass -por ponerle una etiqueta- británica es de raíz profundamente negra y, como tal, bebe del clasicismo afro que Scott-Heron ayudo a instaurar. 

"We´re New Here" es un disco muy recomendable que condensa en poco más de treinta minutos muchas de las claves que espero que estén presentes en el próximo disco de The XX.

Chaim: Love is House

Desde el inicio de su carrera, Chaim se distinguió del resto de sus compatriotas y coetáneos israelís (Guy Gerber, Shlomi Aber o Gel Abril) por mantener una propuesta mucho más cerebral a la hora de abordar la música de club, lejos de la pegada detroitiana o de la emotividad que destilaban el resto de la pléyade judía que invadió hace unos años la galaxia clubber.

Por tanto, no fue una sorpresa que Chaim conectara inmediatamente con Ellen Allien, quien lo fichó para Bpitch Control, plataforma desde la que ha editado su material en los últimos tres años, ofreciendo una visión bastante brumosa del house en su vertiente más clásica y futurísta.

La ascensión de Chaim se ha visto refrendada este mismo mes con su primer larga duración, titulado "Alive", publicado en el sello teutón. El resultado de tamaña apuesta es un LP de House espumoso y mutante, que ahonda en la vertiente más clásica -Chicago y Detroit-, pero distanciándose al mismo tiempo de los referentes en busca de una voz personal.

Un ejercicio de estilo muy parecido al que emprendió John Roberts con "Glass Eight", pero con la diferencia de que Chaim opta por un discurso mucho más neurálgico, en el que las máquinas suenan como instrumentos y las voces como máquinas.

"Alive" es un tratado de música profunda, indiferente a las corrientes actuales y a los géneros, que no desea ser clasificado como nada, que desea mutar en cada una de las escuchas a las que es sometido, y que aguantará el paso del tiempo -para mí ya es uno de los discos de electrónica del año- con facilidad, puesto que no pretende otra cosa que ser sincero y coherente consigo mismo. 

Una pieza embriagadora de amor hacia al house en todas sus vertientes, un caramelo delicioso que se degusta lentamente en el paladar.

Radiohead: En Mitad de Tu Película

Ayer, el mundo se despertaba conmocionado con la noticia de que Radiohead lanzaba sin aviso previo y envueltos en el secretismo que les caracteriza su próximo album, "The King of Limbs". Lo hacen de nuevo saltandose intermediarios y poniendo a la venta el álbum en internet de  forma sumamente inteligente: Por el módico precio de 39 libras, tienes derecho a obtener el album en formato de doble vinilo, un cd y descarga digital.

Mientras que el vinilo llegará a tu casa en mayo, junto con el cd y el resto del artwork, el digital lo podrás adquirir este mismo sábado. Evidentemente, los pedidos se han disparado en las últimas horas (yo estoy entre ellos) y esto supone la confirmación de que Radiohead son los más listos de la clase. 

Es obvio que un grupo como Radiohead, el más influyente de las últimas dos décadas a mi parecer, puede permitirse el lujo de urdir este tipo de maniobras, que, a la larga, serán mucho más rentables que editar el disco con una multinacional. También resulta obvio que esto no es nuevo, que otros lo han hecho antes pero que, al ser ellos quienes lo hacen, tiene un impacto mucho mayor.

Personalmente, voy a pagar por el disco, al igual que pague el módico precio de 5 libras por descargarme "In Rainbows", con la certeza de que voy a disfrutarlos. De igual modo, pagaría por descargarme discos de otros artistas que tomaran el mismo camino, pero que, enredados en el complejo mundo de las discográficas, prefieren poner su disco a la venta con intermediarios que, si bien los patrocinan a lo grande, también se llevan un porcentaje que, a mi juicio, no les corresponde, puesto que no se esfuerzan por comprender que supone esto de internet.

El debate seguirá ahí durante mucho tiempo y sólo algunos artistas privilegiados podrán aprovecharse del sistema. Radiohead, artífices de una de las discografías más complejas de la historia de la música, son uno de ellos. Thom Yorke, visionario él, ya lo describía en el último disco de la banda, en el tema "All I Need", que yo siempre he entendido como una alegoría de su divorcio con las multinacionales.

Cada uno que lo interprete como quiera. 

Me despido hasta el Lunes

James Blake - A Case of You by ewgarris

Me despido hasta el lunes. Un largo viaje hacia Sevilla me espera y (espero) que una increíble noche junto al equipo de Berlin Calling. Se prevén turbulencias, virulencias y otras ciencias... Estaré bien acompañado... Mi hombre Little Puddle y mi mujer Wane estarán ahí conmigo, además del resto de la chavalada cordobesa (Buffalos y Buffalas).

Para que el finde sea más perdurable os dejo esta joyita de James Blake, grabada por el chico en los estudios Maida Vale de Londres y no incluida en su disco debut. 

Os deseo buen finde a todos!!

Berlin Calling: Podcast 004 (Juani Cash y Ulises Gómez)

El ciclo Festivo-Cultural Berlin Calling, una producción inspirada en el celebérrimo film de Hannes Stoehr que narraba con acierto el auge, la caída y la resurrección de un disc jockey -interpretado a su vez por Paul Kalkbrenner-, llega este viernes a su tercera edición. Será en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, un espacio que se convertirá durante unas horas en un santuario dedicado a la música electrónica.

Berlin Calling es, a su vez, una apuesta por una serie de artistas que se dediquen en cuerpo y alma a predicar un sonido determinado, el que está grabado a fuego en la capital de Alemania. 

Precisamente, a ese sonido han consagrado una serie de podcast que llega hoy a su cuarta edición, firmada a dos cerebros por Ulises Gómez y Juani Cash, una pareja clásica de estos eventos, encargada de seleccionar y mezclar con criterio exquisito este podcast, un reflejo de lo que ambos ofrecen tras los platos.

Podcast "Berlin Calling 004" by Ulises Gómez feat. Juani Cash by M-Touch Radio Channel

El podcast, cocinado a fuego lento y con una gran variedad de registros musicales, cuenta con un tracklist de infarto que incluye a artistas como Dj Koze, Derrick Carter, Ame, Jacques Renault, Henrik Schwarz, Joy Orbison, KINK, Argy, Carl Craig, Dixon, Alex Kid, Robert Hood, Frank Roger o Jamie Jones.

Planet Mu: 14 Perlas de Underground Británico

El sello británico Planet Mu, dirigido por Mike Paradinas, lleva nada menos que 13 años editando cremosidades al más puro estilo isleño, basculando entre el underground y dignificando los sonidos marginados. 

La fiebre dubstep les pilló de vuelta de todo y, de hecho, Planet Mu es el hogar discográfico de algunos de los más dignos productores de esta corriente del mundo, espacio sonoro dedicado a fórmulas menos acomodaticias y con mayor calado.

Su primer lanzamiento de este año es un recopilatorio con 14 perlas de su catálogo, un disco que sirve para abrir boca en un año que se prevé de nuevo glorioso para el sello.

"14 Tracks From Planet Mu" es un recorrido por la música electrónica menos acomodaticia y más insurgente. Es también un derroche de ese toque británico que se imprime a fuego en mucha de la música electrónica actual, independientemente de que quien la firme sea foráneo -el catalán Oriol firma el primer corte del disco-.

Entre su contenido, perlas dubstep o post dubstep a cargo de artistas como Ikonika -tirando de 8bit-, Oriol -puro dubhouse-, Kuedo -Wobble estratosférico-, Starkey -remezclados a lo game boy por Slugababed- o Rossi B y Luca -que entregan un corte de Grime crudo y seco-.

También hay espacio para dos temas de ambient electrónico de atmósferas preciosistas y rítmica intrincada, a cargo de Solar Bears y los increibles Floating Points, y también queda espacio para los dos mejores cortes del album para quien esto firma: Las incursiones en la música negra de Boxcutter -en un registro muy poco transitado por él y con el acierto vocal de Brian Greene- y Falty DL -en un registro jazzy completamente excelso-, que va camino de convertirse en mi seguro de vida.

Frivolous: Micro House Expansivo

El artista canadiense Daniel Gardner aka Frivolous lleva diez años soltando pinceladas de micro house, editadas en un sin fín de sellos, pero que siempre han hecho un favor a la escena de la música de club al basar su pegada en la exhibición del detalle, de la atmósfera, al convertir la forma en el fondo. Desde sellos como Karloff, Minibar o Background, Gardner ha entregado decenas de EPs que contenían su preciada fórmula, trasladada con éxito a dos álbumes, publicados en 2004 y 2007, respectivamente.

Ahora, tras haber publicado el año pasado un 12 pulgadas en el sello suizo Cadenza (dirigido por el inefable Luciano), Frivolous entrega su último album, "Meteorology", un compendio de once temas, de poco más de una hora de duración, que condensa de forma sublime las claves de una música determinada: el micro house.

Un estilo del que Luciano y Villalobos se hicieron abanderados, pero que tenía en otros francotiradores como Isolee, Jay Haze o el propio Frivolous a sus mejores valedores. Distanciados los dos primeros del género y centrados en otros menesteres, Frivolous quedó con el dudoso honor de glorificar un subgénero y lo hizo, espaciando sus referencias, recibidas con calurosa acogida por la parroquia clubber.

"Meteorology" es la confirmación, una vez más, de que el house puede ser el más sugestivo de los géneros de música de club. A lo largo de su minutaje, Gardner se explaya en su labor de cortar y pegar con acierto diversos retazos de otras músicas: llama la atención su querencia por las arpas, las campanas, los pianos y otros instrumentos clásicos; la compresión de las voces, herederas del soul en su mayoría pero retocadas habilmente; y, sobretodo, la rítmica microtratada, como sino estuviera presente, pero verdadero timón de un barco mecido por la metereología, como bien reza el título.

Un disco muy recomendable, que dignifica un sello que despierta suspicacias con cada una de sus referencias, pero que, bien mirado, merece su respeto -no hablemos de Luciano, que ese es otro tema-. Un disco expansivo, elaborado a partir de pequeñas cosas. 

Dub Echoes: La Catarsis del Sonido

"Dub Echoes" es un documental dirigido por el cineasta brasileño Bruno Natal que explora, con acierto, los orígenes de un estilo musical tan mutante como el Dub. Partiendo de la base de que el dub debe ser considerado como un movimiento más que un género, Natal indaga en su nacimiento, evolución y explosión a partir de abundante material de archivo y numerosas entrevistas a artistas que han hecho del sonido (el dub es eso, la catarsis del sonido) su materia prima.

Desde que un error cometido por King Tubby en una grabación diera lugar al Dub (cuyos efectos colaterales dieron lugar al nacimiento del remix, del soundsystem, del uso de delays, ecos y reverberaciones), hasta la actualidad, el movimiento no ha cambiado mucho, aunque su explosión ha dado lugar a géneros tan importantes como el Drum and Bass, el Dubstep, el Jungle o el Techno, los cuales se desarrollaron al amparo de los avances en materia de sonido que explotaron artistas jamaicanos como el propio Tubby o Lee Scratch Perry.

Por el celuloide del film pululan artistas de ayer, de hoy y de mañana -Roots Manuva, Dj Spooky, Adam Freeland, 2many djs, U-Roy, Lee Perry o Thievery Corporation, entre otros- y dan su visión de un género y de su importancia en la música contemporánea.

El propio Perry lo define con acierto: "El Dub tiene futuro. Constituye parte de una revolución. Aunque tenga pocas líricas, el propio sonido fuerte del bajo constituye la revelación de un entorno social y de una época".

Canción Redentora

Los viejos piratas roban y venden a los buques mercantes,

minutos después de que tomaran el hoyo insondable.

Pero mi mano fue hecha fuerte, por obra del Todopoderoso.

y nos remitimos en esta generación triunfadora.

¿No me ayudarás a cantar, estas canciones de la libertad?

Porque todo lo que he tenido siempre, 
son canciones redentoras,

canciones redentoras 

Emancípate de la esclavitud mental,

ningunos excepto nosotros mismos podemos liberar nuestras mentes.

No tenga ningún miedo de la energía atómica,

porque ningunos de ellos puede parar el tiempo.

¿Cuánto tiempo les llevará matar a nuestros profetas,

mientras estamos parados delante y miramos?

Algunos dicen que una parte de ellos es justa,

mientras haya que satisfacer a la historia

¿No me ayudarás a cantar, estas canciones de la libertad?

Porque todo lo que he tenido siempre,
son canciones redentoras,

canciones redentoras 

Bob Marley hubiera cumplido hoy, 6 de marzo,  66 años. 

Agoria: Lo Efímero

El productor francés Sebastian Devaud, también conocido en la galaxia clubber como Agoria, lanza este mismo mes su cuarto album de estudio, el primero que publica en su propio sello, Infiné, casa editorial de la que han salido LPs de artistas como Apparat, Aufgang o Francesco Tristano.

Agoria es un tipo particular, cuyos intereses y referencias a la hora de producir basculan entre el clasicismo del jazz y el futurismo del techno detroitiano. Su impronta se refleja en cada una de las aventuras que emprende, ya sea a los mandos de una sesión enlatada ("At The Controls" [2007] o "Balance 016 [2010]) o a la hora de poner música a una película ("Go Fast" [2008]). 

Precisamente, para su cuarto disco, Agoria ahonda en la dirección que se marcó con el soundtrack de "Go Fast", y entrega un trabajo que se aparta de su faceta más pistera para adentrarse en un terreno más elaborado y coherente con lo que él espera de sí mismo. 

"Impermanence" ("Lo efímero" en español) es una pieza de cámara de una hora de duración que contiene cortes pausados de producción mimada al detalle, piezas de dub líquido, pianos tristes, saxos heridos y violines juguetones, colaboraciones vocales y no vocales de altura (campan a sus anchas por el disco Seth Troxler, Carl Craig, Kid A y Scalde) y, sobre todo, el sello de Agoria: La coherencia y la épica desatada. 

"Impermanence" es un paso más en la carrera de un artista en deuda consigo mismo y que exorciza sus demonios interiores con cada nueva grabación. Un artista inquieto, arriesgado y valiente, cuya carrera es todo menos efímera.

James Blake: Gospel Extraterrestre

Mientras muchos se frotan las manos y arquean las cejas deseando que sea un hype de temporada, yo me digo a mi mismo que James Blake es, sin duda alguna, una de las mejores cosas que le van a pasar a la musica este año. 

Lo es por varios motivos, el principal es que el año pasado ya fue una de las mejores cosas que le pasaron a la música, y eso solo a base de 3 eps y un crédito como productor del disco de Mount Kimbie.

A finales de 2010, Blake se descolgó de su faceta de beat maker con una versión desgarradora de "Limit To Your Love" de Feist, y nada volvió a ser lo mismo. Anunciaba entonces que este mes sacaría un disco con material que no se había editado y con dos canciones nuevas (La versión de Feist y "Wilhem´s Scream") y he aquí que tenemos una de las mejores piezas de orfebrería musical del año.

"James Blake" es un disco enmarcado en un contexto que sólo Blake puede definir. Alejado del garage y de los sonidos más urbanos de su anterior discografía, en "James Blake" sólo queda el tratamiento de las voces como marca de un sonido que el propio artista ha explotado mejor que nadie.

Por el contrario, ha entregado un LP íntimo, sincero, desgarrador, que puede provocar tristeza y felicidad infinitas al mismo tiempo. Un disco que suena a música negra, a gospel extraterrestre, pero que también suena a pop electrónico a la manera británica.

James Blake está aquí para quedarse, es un hecho. No pretendía inventar la rueda y doy fe de que no lo ha hecho (a veces suena a Anthony Hegarty o a Bon Iver), pero lo que este chaval ha compuesto en su habitación rodará por todos los rincones del mundo y emocionará a quien esté dispuesto a entrar en su propuesta.

Quien esto escribe lo ha hecho. Y agradecido estoy.